Kunst På Arbejde Logo

Vis mig din kunst - og jeg skal sige dig, hvem du er

Litografi

Bjørn Nørgaard – “Ohne Titel” – 5234B

“Ohne Titel” er udført af Bjørn Nørgaard og er Blad 5 fra serien “Kong” (Utopier i virkeligheden, Strindberg). Serien er trykt hos Clot, Bramsen & Georges i Paris i 1981 og solgt hos Edition Galleri Flindt i Aarhus. Måler: 93 x 69 cm.

Nr. 262
Se udstilling

Bjørn Nørgaard – “2, 4, 8” – 5233B

“2, 4, 8″ er udført af Bjørn Nørgaard og er Blad 4 fra serien “Kong” (Utopier i virkeligheden, Strindberg). Serien er trykt hos Clot, Bramsen & Georges i Paris i 1981 og solgt hos Edition Galleri Flindt i Aarhus. Måler: 93 x 69 cm.

Nr. 262
Se udstilling

Bjørn Nørgaard – “Portræt” – 5232B

“Portræt” er udført af Bjørn Nørgaard og er Blad 3 fra serien “Kong” (Utopier i virkeligheden, Strindberg). Serien er trykt hos Clot, Bramsen & Georges i Paris i 1981 og solgt hos Edition Galleri Flindt i Aarhus. Måler: 93 x 69 cm.

Nr. 262
Se udstilling

Bjørn Nørgaard – “Ariane Endormie” – 5231B

“Ariane Endormie” er udført af Bjørn Nørgaard og er Blad 1 fra serien “Kong” (Utopier i virkeligheden, Strindberg). Serien er trykt hos Clot, Bramsen & Georges i Paris i 1981 og solgt hos Edition Galleri Flindt i Aarhus. Måler: 93 x 69 cm.

Nr. 262
Se udstilling

Toledo – 3369B

er lavet af Toledo og er 87b x 69h – Værket er med i udstillingen Engelsk figurativ kunst når den er bedst

Nr.
Se udstilling

Komposition – Mogens Andersen – 1667B

Komposition er lavet af Mogens Andersen og er 66b x 82h – Værket er med i udstillingen Våbenbrødre.

Den danske maler og grafiker Mogens Andersen (1916-2003) var en pioner inden for det abstrakte maleri. Han startede som elev på P. Rostrup Bøyesens malerskole 1933-39, hvor han, inspireret af “mørkemalere” som Erik Hoppe og Niels Lergaard, udviklede et maleri med store grove strøg og figurbilleder i jordfarveskalaen. Allerede i 1935 debuterede han på Kunstnernes Efterårsudstilling, men via en brændende interesse for det franske maleri fjernede han sig gradvist fra traditionelle modelstudier og naturforlæg.

Mogens Andersen blev kendt for sin stærke tilknytning til Frankrig og moderne fransk kunst. Siden han i 1945 slog sig ned i Paris, hvor han boede i perioder frem til 1965, fik fransk lyrisk-abstrakt kunst stor betydning for hans malemåde. Inspireret af bl.a. Pierre Soulages udviklede han sin karakteristiske blanding af mørke, nærmest musikalsk legende arabeskformer på lysere baggrundsfarver. Som moden kunstner bevægede han sig behersket og koncentreret igennem farvernes stoflighed – oftest balanceret med bløde, rytmiske penselstrøg og energiske kontraster.

På eget initiativ opsøgte Andersen kunstnere som Matisse, Georges Braque og Henri Laurens i deres atelierer. Indtrykkene fra de franske forbilleder blev nedfældet i hans første bog “Moderne fransk Malerkunst” (1948). Den franske kunsts poetiske nøgternhed blev en uomgængelig faktor i hans værker, og Andersen erklærede definitivt sin kærlighed til abstraktionen:

“At en kunstner udtrykker sig abstrakt vil på ingen måde sige, at han flygter fra genstandsverdenen, fra alt det som et menneske kan se og sanse i sin omverden. Abstraktion i billedkunsten er blot et andet ord for frigørelse fra det, som begrænses af synet og erfaringen. At frigøre sig er derfor heller ikke det samme som at flygte. Det er retten til at kunne bevæge sig frit i forhold til sit ståsted. Uden denne ret vil en kunstner ikke være i stand til at opdage nye verdener.”

Om nogen har Mogens Andersen været med til at placere det abstrakte maleri i det offentlige rum, og talt dets sag i både bøger, kronikker og malerier. Hans første store udsmykning af Københavns Hovedbibliotek (1957-59) resulterede i en voldsom debat omkring netop den abstrakte kunst. Siden opnåede han stor anerkendelse og udførte en lang række udsmykningsopgaver, bl.a. til kunstmuseet i Bochum i Tyskland (1981) og Sejs-Svejbæk Kirke ved Silkeborg (1990).

Mogens Andersen var medlem af flere franske og danske kunstnersammenslutninger og modtog både Eckersberg Medaljen (1949) og Thorvaldsen Medaljen (1984). Han er repræsenteret på talrige museer i ind- og udland bl.a. Statens Museum for Kunst, Randers Kunstmuseum, Kunstindustrimuseet, Malmø Museum, Bridgestone Museum – Tokyo og Nationalmuseet Warzawa.

Nr.
Se udstilling

Niki De Saint Phalle – 3361B

er lavet af Niki De Saint Phalle og er 76b x 61h – Værket er med i udstillingen Eduardo Arroyo – Erro- Niki de saint Phalle.

Niki de Saint Phalle (1930-2002) blev født nær Paris som datter af en amerikansk mor og en fransk, adelig far. Hun voksede op i USA, hvor hun arbejdede som fotomodel for Vogue, Elle og LIFE Magazine. Som 18-årig blev hun gift og fik snart efter to børn, men hun forlod senere både mand og familie for at hellige sig kunsten og dens terapeutiske effekter.

Saint Phalle brød igennem på den internationale kunstscene i begyndelsen af 60’erne, da hun som den eneste kvindelige kunstner kom med i gruppen Nouveaux Réalistes. Hun blev hurtigt kendt for sine originale “skydebilleder”: Iført en kropsnær hvid dragt, skinnende, sorte læderstøvler og bevæbnet med en salonriffel skød hun løs på sine billeder, der gemte lommer af maling, som eksploderede. Det var et opgør med patriarkatet og mænd i al almindelighed men også specifikt hendes far, der havde forgrebet sig på hende, da hun var barn.

Den kvindelige eksistens og identitet er hovedtemaet i Saint Phalles kunst. Igennem årene skabte hun en række farvestrålende og frodige kvindeskulpturer i polyester – de såkaldte Nana-skulpturer. Disse kvindeskulpturer hylder kvindekroppen og udtrykker glæde, selvtillid og frugtbarhed. Bag den stærke udstråling problematiserer Nana’erne dog også de fastlåste kvinderoller og skønhedsidealer, som Saint Phalle selv inkarnerede som ung fotomodel og siden kæmpede imod.

For Saint Phalle var kunst og selviscenesættelse to sider af samme sag. Hun indtog rollen som eventyrlysten femme fatale og eksplosiv feminist. Et af hendes mest kendte værker er den 25 meter lange, 9 meter brede og 6 meter høje walk-in skulptur “Hun – en katedral” (1966), som hun byggede på Moderna Museet i Stockholm sammen med sin nye ægtemand Jean Tinguely. Den store Nana-skulptur lå med spredte ben, så besøgende gik ind i den gigantiske kvindekrop via skødet!

Niki de Saint Phalle finansierede i årevis sine egne store værker bl.a. livsværket “Tarot-haven” i Toscana, som hun arbejdede på i 20 år. Parken, der ligger nogenlunde midtvejs mellem Rom og Siena, er en landskabspark med monumentale skulpturer inspireret af symbolske figurer fra tarot kort, og viser, som et eventyrland, al den vitalitet og frodighed, der kendetegner Saint Phalles værk.

Niki de Saint Phalle er blevet vist på store retrospektive udstillinger verden over, og så udstillede hun først i 1960’erne på både Louisiana og i det lille avantgardegalleri Köpcke i København. Hun er repræsenteret i store samlinger verden over heriblandt Sprengel Museum i Hannover, Moderna museet i Stockholm og KUNSTEN Museum of Modern Art Aalborg. Hvis du vil se flere af hendes værker, så tag et kig på vores hjemmeside:

https://www.kunst-paa-arbejde.dk/udstilling/eduardo-arroyo-erro-niki-de-saint-phalle/

Nr. 175
Se udstilling

"Pinocchio" – Jim Dine – 4733B-4734B

“Pinocchio” er lavet af Jim Dine og er 101b x 67h. Værket er med i udstillingen “Pinocchio fortalt af Jim Dine”.

Den amerikanske kunstner og digter Jim Dine (f. 1935) blev født i Cincinnati, Ohio. Han flyttede i 1958 til New York, hvor han hurtigt blev en del af kunstnermiljøet omkring Allan Kaprow og Claes Oldenburg – to afgørende skikkelser i popkunsten. Jim Dine lavede til at starte med eksperimenterende happenings og skelsættende assemblager, hvor hverdagens genstande blev sat sammen for at belyse emner som identitet, krop og erindring. 

Dine har siden fortsat sit arbejde med forskellige genrer og materialer. I 1960’erne blev han særligt optaget af maleriet, hvor han ofte viser sin store interesse for populærkulturens billeder ved at gentage enkle motiver som hjerter, fugle, badekåber og blomster. Han er generelt optaget af kunstens æstetiske virkemidler og forhold til virkeligheden, og så anvender han gerne symbolsk ladede motiver bl.a. fra sin barndom.

Et motiv, som har fyldt meget i Dines kunstneriske univers siden 1990’erne, er Pinocchio. Det gamle eventyr blev skrevet af italieneren Carlo Collodi tilbage i 1881 og fortolket af Disney i 1941. Siden Dine som 6-årig så den elskede tegnefilm, har Pinocchios dramatiske følelsesliv og store hjerte haft særlig betydning for ham. I historien om Pinocchio finder han mange referencer til selve den kunstneriske skabelsesproces. Så synes man, at Gepetto ligner Jim Dine, er det ikke et tilfælde. Selv fortæller Jim Dine:

“I saw the Walt Disney movie when I was six, and I was very frightened by it, enchanted by it. And I identify with it. I was a liar, little boys are liars. All the time I was identifying with the boy, but now, you know it is a great story because it’s a metaphor for art, this old man brings the puppet to consciousness through his craft, and in the end I am Geppetto, I am no longer Pinocchio.”

I kan se en video om Dines forhold til selvportrætter her.

Jim Dine har sat sit præg på kunstverdenen i mere end fire årtier. Han er repræsenteret i store samlinger verden over heriblandt MOMA, Tate Modern, Bilbao Fine Arts Museum, Louisiana og KUNSTEN Museum of Modern Art Aalborg.

Nr.
Se udstilling

Heroisk udsigt – Per Kirkeby – 2748B

Heroisk udsigt er lavet af Per Kirkeby og er 86b x 67h – Værket er med i udstillingen Midt i tidens oprør.

Per Kirkeby (f. 1938) er kendt som en af vor tids store internationale billedkunstnere. Han studerede i en ung alder geologi ved Københavns Universitet, og den naturvidenskabelige verden fik stor indflydelse på hans kunst. I 1962 opsøger Kirkeby den eksperimenterende kunstskole i København, Eks-skolen, hvor han sammen med kunstnerkollegerne Poul Gernes, Peter Louis-Jensen og Bjørn Nørgaard udforsker nye udtryksmuligheder inspireret af bl.a. popkunst, happenings og minimalisme.

Fra 1965 tager Kirkebys kunstneriske karriere for alvor fart. Han får sin første separatudstilling på Den Frie i København og også sin første internationale udstilling. Han debuterer også som lyriker med digtsamlingen Litt, og litteraturen vedbliver at være central i Kirkebys kunstneriske virke, som generelt er karakteriseret ved mange forskellige billedtyper og kunstgenrer, der overlapper hinanden.

I 60’erne udfører han happenings med bl.a. Joseph Beuys og Bjørn Nørgaard. Han rejser desuden til New York, hvor han optages i Fluxus-netværket. Nogle år senere får han en afgørende udstilling i Galerie Michael Werner, Köln, der bliver startskuddet på hans internationale karriere. Fra 1978-89 arbejder han som professor ved Kunstakademiet i Karlsruhe.

Kirkeby har kaldt sig selv for en eklektiker, der ud fra et væld af materialer til rådighed laver sit eget system. De mange referencer ses i hans forskelligartede værker, der bærer spor af både popkunsten, populærkulturen og geografien. Særligt maleriet har bevæget sig over i et mere abstrakt formsprog, der synes at trække tråde til både romantikken og i klassicismen. I store formater og med en ekspressiv farvepalet udfører han sanselige malerier, som på enestående vis forholder sig til landskabet og naturen og udmærker ham som en både intellektuel og intuitiv kunstner.

I 2015 skabte filminstruktøren Anne Regitze Wivel dokumentarfilmen “Mand falder” om Per Kirkebys kamp med følgerne af en hjerneskade, som han fik efter et fald på trapperne i sit hus i Hellerup. I 2015 droppede Kirkeby at male, men han arbejder stadig med grafik og tegning.

Per Kirkeby modtager Statens Kunstfonds livsvarige hædersydelse. Han er særligt kendt for sine mange udsmykningsopgaver, og har bl.a. udsmykket loftet i Den Sorte Diamant, lavet bronzeskulpturer til operaen i København og vægmalerier til Geologisk Museum (2004). Han er repræsenteret på utallige museer i ind- og udland og har igennem sin alsidige karriere udstillet verden over.

Nr.
Se udstilling

Tal R – 4407B

Værket er 1 ud af 8 grafiske blade fra serien “Uddannelsens” (2001) af Tal R og er 75b x 94h – Værket er med i udstillingen Det chokerende nye

Tal R er uden tvivl et af dansk kunsts helt store navne. Tal betyder dugdråbe på hebraisk, og R’et står for Rosenzweig. Kunstneren er født i 1967 i Israel, og kom til Danmark med sin familie som 1-årig. Her blev han uddannet på Kunstakademiet i København i årene 1994-2000, men allerede i studietiden udmærkede han sig ved både at udstille på Louisiana og blive udnævnt til professor i malerkunst ved Kunstakademiet i Helsinki.

Tal R’s værker rummer ofte kitschede elementer, kunsthistoriske referencer og energiske farveeksplosioner. Han undersøger den banale hverdag i en moderne verden via legende, ekspressive streger og penselstrøg. Og så er han samler. Interessen for forunderlige ting fra tidligere tider eller andre kulturer inspirerer ham til skæve tilføjelser i malerierne, hvor det figurative, det personlige og det ornamentale blandes med stor originalitet.

Der er desuden megen ironi og distance i Tal R’s værker. Han er kendt for at benytte elementer fra den såkaldt “lave” kultur, som f.eks. tegneserier, tegnefilm, graffiti, modeblade m.m. De mange elementer indgår på kryds og tværs i installationer, malerier, tegninger og grafik, som på unik vis inddrager og undersøger samtidens visuelle sprog. Hans skabertrang er som sådan markant, drevet af både tvivl, forundring og nysgerrighed.

Der er naive stilistiske træk i Tals maleri, men han er på ingen måde en naiv maler. Samtiden har hans opmærksomhed, og kunstneren er optaget af forandring. Han vil gerne arbejde sig derhen, hvor han ikke kan genkende sig selv, og malerierne løsriver sig og finder deres eget, overraskende udtryk. “At lave kunst er en række beslutningsprocesser, hvor du lever i en fiktion om, at du har magt over tingene,” fortæller han selv om sit arbejde.

Tal R var fra 2005-2014 professor ved Kunstakademiet i Düsseldorf. Han har blandt andet udstillet i Tokyo, Stockholm, New York, London, Berlin, Moskva og Sao Paulo. I 2009 modtog han Eckersberg Medaillen, og i dag er han repræsenteret på en lang række danske museer, bl.a. AROS, Holstebro Kunstmuseum, Trapholt, Kunsten og Statens Museum for Kunst. 

Nr.
Se udstilling

Toledo – 3370B

er lavet af Toledo og er 82b x 67h – Værket er med i udstillingen Engelsk figurativ kunst når den er bedst

Nr.
Se udstilling

Erro – 3356B

er lavet af Erro og er 67b x 52h – Værket er med i udstillingen Eduardo Arroyo – Erro- Niki de saint Phalle

Nr.
Se udstilling

Toledo – 3368B

er lavet af Toledo og er 87b x 70h – Værket er med i udstillingen Engelsk figurativ kunst når den er bedst

Nr.
Se udstilling

Toledo – 3365B

er lavet af Toledo og er 98b x 78h – Værket er med i udstillingen Engelsk figurativ kunst når den er bedst

Nr.
Se udstilling

Gul Tiger – Uffe Christoffersen – 3189B

“Gul Tiger” er udført af Uffe Christoffersen i 1984 og måler 69 x 87 cm. Værket indgår i udstillingen “Violet Sol”

Uffe Christoffersen

Kan man andet, end at holde af Uffe Christoffersens flotte tigre? Farverne betyder meget i billederne. De spiller en stor rolle, når det drejer sig om stemningen og udtrykket i maleriet. Uffe Christoffersen, bliver ofte spurgt om, hvorfor han giver tigerens øjne forskellige farver. Det er dels for at fremhæve disse og dels fordi det gør øjnene mere stirrende, når de har samme farve, siger han.

“Kvinder lægger øjenskygge, for at fremhæve og forstærke farven på deres øjne, så de kan fastholde ens blik, se en dybt i øjnene….   Det er for at opnå den modsatte effekt, at jeg maler tigerens to øjne med forskellige farver. På den måde bliver de integreret i maleriet på lige fod med de andre farver. Hvis man ser tigeren for dybt i øjnene, opfatter man ikke maleriet. Man bliver hypnotiseret og fastholdt i tigerens blik”.

Maler og grafiker Uffe Christoffersen (f. 1947) er af mange kendt for sine kraftfulde malerier af tigre i alverdens farver. Som billeder på utæmmede naturkræfter og instinkter understreger de både majestætiske og mytologiske dyr en livslang passion hos kunstneren. Som barn boede han i Kenya, og tiden i Afrika skulle senere blive afgørende for hans kunstneriske univers.

I 1968 kom Christoffersen ind på Kunstakademiet, hvor Cobra- og maskemaleren Egill Jacobsen blev hans mentor. Sideløbende med akademiet tegnede han ofte i Zoologisk Have, hvor både løver, leoparder, pantere og tigre blev studeret minutiøst. Han debuterede i 71 på Charlottenborgs forårsudstilling og blev nogle år efter en bærende kraft i kunstnergruppen ”Violet Sol”.

Malerisk nysgerrighed og optimisme var i fokus for denne populære gruppe, som i årene 1974-88 arbejdede med intense koloristiske oplevelser inspireret af 1930’ernes ekspressive malere Hoppe, Søndergaard og Harald Leth. Uffe Christoffersen er da også kendt for sit både intuitive og videnskabelige forhold til farven. Selv fortæller han, at “farven skal bruges lige som en violinist bruger sine strenge. Der kan opnås mange forskellige toner på hver streng ved at formindske eller forlænge strengens længde, så svingningerne bliver hurtigere eller langsommere.”

I mange år har Christoffersen indsamlet naturlige farvestoffer til egne laboratorie-undersøgelser, og fra 1975-83 var han ansat på akademiets farvetekniske laboratorium. Hans indsigt i farven er omfattende, og foldes fuldt ud i de mange maleriske undersøgelser af vilde dyrs proportioner, indre kraft, bevægelse, skønhed og mystik. Tigeren er hans hovedmotiv, som han vedbliver at fordybe sig i. Derfor er kunstnerens yndlingscitat også: “To hunt the tiger, you must first hunt the tiger in yourself, and to do that, you first make certain that the tiger is not hunting you”.

Uffe Christoffersen flyttede i 1990 til Sydfrankrig sammen med sin kone, Annette Hoff-Jessen, der også er maler. Han er medlem af Corner og har igennem årene udstillet på en lang række danske gallerier og museer, heriblandt Trapholt, Randers kunstmuseum og Koldinghus. Han har desuden udført udsmykningsopgaver for bl.a. Hovedstadens Trafikselskab, Albertslund Kommune, Sanovo International og Nivå Centralskole.

Nr.
Se udstilling

Erro – 3351B

er lavet af Erro og er 56b x 68h – Værket er med i udstillingen Eduardo Arroyo – Erro- Niki de saint Phalle

Nr.
Se udstilling